BERLIOZ Y SU"SINFONÍA FANTÁSTICA"

 Compuesta en 1830 por Héctor Berlioz,nos encontramos ante la obra que supuso el definitivo triunfo de la música programática o descriptiva.El público de la época la consideró sensacional e innovadora,sobre todo debido a la naturaleza autobiográfica de la obra.

Nacido en La Côte-Saint-André en 1803 y fallecido en  París en 1869. El Romanticismo tiene en Hector Berlioz una de sus figuras paradigmáticas: su vida novelesca y apasionada y su ansia de independencia se reflejan en una música osada que no admite reglas ni convenciones y que destaca, sobre todo, por la importancia concedida al timbre orquestal y a la inspiración extramusical, literaria. No en balde, junto al húngaro Franz Liszt, Berlioz fue uno de los principales impulsores de la llamada música programática.  Hijo de un reputado médico de Grenoble, fue precisamente su padre quien le transmitió su amor a la música. Por su consejo, el joven Hector aprendió a tocar la flauta  y a componer pequeñas piezas para diferentes conjuntos. Sin embargo, no era la música la carrera a la que le destinaba su progenitor; y así, en 1821 Berlioz se trasladó a París para seguir los estudios de medicina en la universidad. No los concluyó, la carrera médica no era su vocación,unido a la repugnancia que le produjeron las clases de disección.Fascinado por las óperas y los conciertos que podían escucharse en la capital gala, el futuro músico abandonó pronto la carrera médica para seguir la musical, en contra de la voluntad familiar. Gluck, primero, y Carl Maria von Weber y Beethoven, después, se convirtieron en sus modelos musicales más admirados, mientras Shakespeare y Goethe lo eran en el campo literario.  Admitido en el Conservatorio en 1825, fue discípulo de Jean François Lesneur y Anton Reicha y consiguió, tras varias tentativas fracasadas, el prestigioso Premio de Roma que anualmente concedía esa institución. Ello fue en 1830, el año que vio nacer la obra que lo consagró como uno de los compositores más originales de su tiempo: la "Sinfonía fantástica", subtitulada "Episodios de la vida de un artista". Página de inspiración autobiográfica, fruto de su pasión no correspondida por la actriz británica Harriet Smithson, en ella se encuentran todos los rasgos del estilo de Berlioz, desde su magistral conocimiento de la orquesta a su predilección por los extremos –que en ocasiones deriva en el uso de determinados efectismos–, la superación de la forma sinfónica tradicional y la subordinación a una idea extramusical.  La orquesta, sobre todo, se convierte en la gran protagonista de la obra: una orquesta de una riqueza extrema, llena tanto de sorprendentes hallazgos tímbricos, como de combinaciones sonoras novedosas, que en posteriores trabajos el músico amplió y refinó más aún, y que hallaron en su "Tratado de instrumentación y orquestación" su más lograda plasmación teórica. Fue tal el éxito conseguido por la "Sinfonía fantástica" que inmediatamente se consideró a su autor a la misma altura que Beethoven, comparación exagerada pero que ilustra a la perfección la originalidad de la propuesta de Berlioz, en una época en que muchas de las innovaciones del músico de Bonn aún no habían sido asimiladas por público y crítica.     Tras el estreno de esta partitura, la carrera del músico francés se desarrolló con rapidez, aunque no por ello estuvo libre de dificultades. En 1833 consiguió la mano de Harriet Smithson, con lo cual se cumplía uno de los sueños del compositor, aunque la relación entre ambos distara luego de ser idílica. Otras sinfonías programáticas, "Harold en Italia", basada en un texto de lord Byron, "Romeo y Julieta" y un monumental "Réquiem" incrementaron la fama de Berlioz durante la década de 1830, a pesar del fracaso de su ópera "Benvenuto Cellini".  Un nuevo trabajo lírico, la ambiciosa epopeya "Los troyanos", le iba a ocupar durante cuatro años, de 1856 a 1860, sin que llegara a verla nunca representada íntegra en el escenario. Los infructuosos esfuerzos por estrenarla, junto a la indiferencia y aun hostilidad con que era recibida cada una de sus nuevas obras en Francia, son algunas de las razones que explican que los últimos años de vida de Berlioz estuvieron marcados por el sentimiento de que había fracasado en su propio país,a pesar de que en sus numerosas giras como director por Europa y Rusia era aclamado por sus éxitos. Aquí tenemos una magnífica representación del "Réquiem" ,realizada en el Royal Albert Hall,en una producción de la BBC. En su época produjo un verdadero "cataclismo musical" en la mente de sus coetáneos debido a su grandeza:160 cantantes en el coro,más de 180 músicos en la orquesta,con cuatro grupos de metales y ocho pares de timbales. En el siguiente enlace podréis encontrar un análisis muy completo de la "Sinfonía Fantástica".          http://tono-menor.blogspot.com.es/2012/10/grandes-obras-sinfonia-fantastica-op-14.html

EL EROTISMO EN LA MÚSICA DE JUAN DEL ENZINA

Os incluyo el enlace a un artículo muy interesante sobre Juan del Enzina...interesante y curioso.

http://www.musicaantigua.com/el-erotismo-en-juan-del-encina/

LAS ENFERMEDADES DE PAGANINI

Os reproduzco a continuación un artículo muy  interesante acerca de las enfermedades sufridas por Paganini.

Está escrito por:

Marcelo Miranda (Unidad de Neurología, Clínica Las Condes),  Luz Navarrete (Bibliotecaria Clínica Las Condes), Gonzalo Zúñiga (Estudiante de Música, Escuela Moderna de Música, Santiago de Chile)

Niccolo Paganini nació en Genova en 1782, ha sido sin duda el más grande violinista de la historia . La información médica disponible permite explicar su genialidad, aparte de un virtuosismo innato, a una conformación biológica especial.

Se han planteado diversas teorías sobre las afecciones médicas sufridas por Paganini: las principales hipótesis mencionan sífilis, tuberculosis, intoxicación crónica con mercurio y una enfermedad hereditaria del colágeno^1-3. En este artículo revisamos los aspectos médicos que influyen en su vida y en su carrera de virtuoso músico.

ASPECTOS BIOGRÁFICOS

Paganini nació en una época plagada de superstición, su madre comentaba que al nacer había recibido la visita de un ángel, quien le habría dicho que su hijo sería el más grande violinista que el mundo hubiera visto. Antonio Paganini, padre del músico, era un violinista amateur y dedicado al comercio marítimo; él se dio cuenta tempranamente que su hijo tenía un gran talento. Cuando le enseñó todo lo que sabía, buscó otros maestros. A la edad de 9 años, Paganini hizo su primer concierto público, en el que interpretó una obra propia, basada en un tema popular que impresionó de tal manera a empresarios, que reunieron fondos para mandarlo a estudiar con Allesandro Rolla en Parma. Rolla, era un muy respetado profesor y un hombre honesto, cuando escuchó a Paganini se dio cuenta que no tenía nada más que enseñarle.

Su temperamento decidido y fogoso le llevó a romper con el ambiente familiar y lanzarse a la ventura desde muy joven. Paganini comenzó sus giras en 1805 y estrenó uno de sus conciertos para violín en Napóles en 1827, habiendo ya completado el tercero de ellos el año anterior. Mantuvo relaciones con Antonia Bianchi, con quien tuvo su único hijo, Achille , quien posteriormente recopilará y difundirá la obra de su padre¹. En el mismo año, el Papa León XII lo premia con la orden "Caballero de la Espuela Dorada", lo que Paganini consideró un gran honor.

En 1828 viajó por primera vez a Viena (un viaje de 10 días a través de los Alpes) donde dio 14 conciertos y fue aclamado por el público. Viajó por Alemania entre 1829 y 1831, reuniéndose con Johann Wolfgang von Goethe, Heinrich Heine y Robert Schumann². Para Schumann, el encuentro con Paganini lo decidió a dedicarse por completo a la música. En Inglaterra tuvo también éxito, aunque fue criticado por el costo de las entradas a sus recitales. En este país recibió la gran suma de 10.000 libras por una serie de 18 conciertos . El sorprendente talento de Paganini y su capacidad histriónica en las salas de conciertos con múltiples piruetas, infaliblemente cautivaron a las audiencias, quienes repletaron los lugares donde se presentaba. Su talento adquirió tal fama que su nombre llegó incluso a vincularse con leyendas sobrenaturales, se hablaba acerca de un presunto pacto con el diablo, y de que habría adquirido estas virtudes al estar en prisión por haber asesinado a su amante³. Pero su fama también reflejaba admiración, porque hacía gala de tal dominio del violín que lograba, por ejemplo, tocar con cuerdas dobles o triples, melodías en una tesitura altísima y hacía arpegios y escalas veloces con una sola cuerda después de haber roto varias y conseguía que sonara como si fueran varias cuerdas³ .

Paganini compuso un conjunto de obras diversas, conciertos para violín, sonatas para violín o guitarra y violín y los 24 caprichos en los que el virtuosismo es llevado al máximo. En nuestros días, sus obras siguen escuchándose especialmente los conciertos para violín N°l en re mayor, Opus 6, el Concierto N°2 en si menor, Opus 7 "La campanella" y el N° 3 también, al igual que sus caprichos. Estos últimos sobre todo inspiraron en su momento a compositores como Liszt, Brahms y Rachmaninov.

Paganini tenía una apariencia muy inusual . Uno de sus biógrafos Renne de Sausine, describe "había en su apariencia algo sobrenatural semejando un casco hendido o un ala de un ángel. Se le describe muy alto, muy delgado y demacrado. Se veía tan emaciado que algunas personas temían acercársele por temor a contraer la tuberculosis"⁴. "Manifestaba una marcada palidez desde la infancia y ya a los 28 años se evidenciaron signos de un prematuro envejecimiento volviéndose más enjuto, su cara era descrita como cadavérica, había ya arrugas en su piel delicada. El cabello del músico muy largo, negro, ralo y escaso con marcadas "entradas frontales. Su nariz aguda y prominente, labios muy delgados, orejas muy grandes. Sus manos muy huesudas con las venas muy marcadas, sus pies eran sorprendentemente muy grandes, y su cuello largo y arrugado"⁴. Estas características especiales llevaron a que su médico personal, Fancesco Bennati, publicara en la Revue de París un estudio de los atributos fisiológicos de su afamado paciente, Bennati afirmó que "la mano de Paganini aunque de tamaño normal, tenía una capacidad de extenderse al doble debido a la elasticidad de los ligamentos capsulares de los hombros, de la muñeca y de las falanges y en su mano izquierda que tocaba las cuerdas, tenía una extraordinaria flexibilidad de las primeras articulaciones que le permitían, sin cambiar de posición la mano, moverse en forma lateral sin tensión anormal, haciéndolo con facilidad, precisión y rapidez"⁴ . En opinión del médico de Paganini, éste no podría haber logrado tal grado de virtuosismo sin esta base innata de atributos anatómicos y fisiológicos únicos. Grandes artistas contemporáneos de Paganini, como Goethe y Balzac, eran de la misma opinión.

Paganini era capaz de contorsionar su cuerpo en sus presentaciones en poses muy bizarras, Schottky, otro biógrafo del músico, observó: "cuando se inclinaba hacia la audiencia, sus movimientos son tan extraños que uno teme que sus pies se desprendieran del cuerpo y que el mismo se desmoronara en un montón de huesos", "cuando Paganini interpreta, su pie derecho lo levanta y en los pasajes rápidos lleva el ritmo con una vivacidad casi cómica"... "en los pasajes más difíciles, contorsiona su cuerpo en las más grotescas posturas, aproximando su cabeza al pie derecho hasta formar un triángulo"^4,5 .

Heinrich Heine (1797-1856), el gran poeta alemán, se ocupó de plasmar en 1830 el por entonces ya instituido mito de Paganini; dejando además un hermoso retrato del "sentir" romántico por la música:

"...Por lo que a mí se refiere, ya conoce usted el otro lado de mi afición musical, la capacidad que tengo de ver la figura adecuada de cada nota que oigo sonar; y así sucedió que, con cada movimiento de su arco, Paganini ponía ante mis ojos imágenes y situaciones visibles, y en una escritura plástica de sonidos me contaba todo género de historias estridentes, que desfilaban ante mí como un fuego coloreado de sombras, en el que él mismo, con su música, era el protagonista..."

"...Si Paganini me pareció ya harto extraño y fantástico, al verle venir (...) ¿qué sorpresa no habría de producirme en la tarde del concierto su estremecedora y extraña figura? (...) En la sala había un silencio religioso. Todos los ojos estaban clavados en la escena. Todos los oídos se preparaban para escuchar⁶.

Finalmente apareció en escena una figura oscura, que parecía haber salido del infierno; era Paganini con su traje negro de etiqueta, frac negro y chaleco negro, de hechura horrible, como quizás lo prescribía la etiqueta infernal en la corte de Proserpina, unos pantalones negros que caían temerosos por las piernas flacas. Los largos brazos parecían alargarse más aún cuando, con el violín en una mano y en la otra el arco -con el que tocaba casi la tierra- hacía el artista al público sus inverosímiles reverencias. En los esquinados contornos de su cuerpo había una rigidez terrible, y al propio tiempo algo cómicamente animal, que inducía a reírse; pero su cara, más cadavérica aún por la chillona iluminación de las candilejas, tenía una expresión suplicante, tan estúpidamente humilde, que una compasión tremenda sofocaba nuestro deseo de reír. ¿Habrá aprendido estos saludos de un autómata o de un perro? Esa mirada suplicante, ¿es la de un enfermo moribundo o acaso la mueca burlona de un avaro astuto? ¿Es un hombre vivo a punto de fenecer y que va a divertir al público con sus convulsiones, como un luchador moribundo, o un muerto que ha salido de la tumba, vampiro del violín, que, si no la sangre del corazón, extrae de nuestros bolsillos el dinero almacenado?..."

"En efecto, era Paganini el que bien pronto apareció ante mi vista. Llevaba un abrigo gris oscuro que le llegaba hasta los pies, con lo cual su figura se erguía altísima. El largo cabello negro caía en rizos desordenados, sobre sus hombros y formaba como un marco oscuro en torno a la cara pálida, cadavérica, en la que las preocupaciones, el genio y tormentos infernales habían trazado surcos imborrables "⁶.

SU HISTORIA MÉDICA

Según O'Shea, ya desde 1820 empiezan los síntomas de Paganini, como tos productiva y cierta debilidad y molestias digestivas probablemente relacionadas a una constipación crónica por lo que recibió "calomel", un laxante con alto contenido de mercurio³. Paganini continuó con molestias, abusó de los laxantes por su constipación, visitó diversos médicos quienes plantearon sin mucha base, una sífilis, por lo que se insistió en el mercurio, que era una forma de tratar esta enfermedad en esa época y por más de 400 años. Pronto se creó en él una adicción por el uso de mercurio, en 1830 aparece una disfonía que empeora con los años, llegando a una afonía total el año 1838³. Se planteó una tuberculosis laríngea, sin embargo fue examinado por uno de los especialistas, el Dr. Miguel, quien no encuentra signos de patología pulmonar. Héctor Berlioz, el gran músico francés contemporáneo, relata que en una visita a Paganini a fines de 1838, éste se comunicaba a través de su hijo Achilles quien se acercaba a su boca para tratar de entender lo que decía¹. Paganini se retiró de la vida musical el año 1834, 2 años antes había empezado a manifestar temblores de tipo postural que le impedían progresivamente escribir y sostener el arco del violín³. Se volvió cada vez más retraído y triste. Toda esta constelación de síntomas son explicables según O'Shea por un envenenamiento iatrogénico con mercurio: presentó igualmente lesiones tipo gingivo-estomatitis y la pérdida de sus dientes de la arcada inferior con una infección secundaria del maxilar, lo que llevó a una cirugía ósea en Praga³, esto contribuyó a desfigurar su rostro. Su médico personal se dio cuenta que los síntomas que presentaba eran explicables por abuso de mercurio en forma crónica, prohibiéndole ese tratamiento³. Paganini desobedeció y siguió consumiendo mercurio. Presentó hemoptisis recurrentes y falleció el 27 de mayo de 1840 en Niza, pero el obispo de la ciudad negó el permiso para su entierro y su ataúd permaneció varios años en un sótano. La fama que se había tejido alrededor de su persona y su talento, forjados en un posible pacto con el demonio, fue determinante en esta decisión eclesiástica, sobre todo debido a que el propio Paganini rehusó acercarse a la Iglesia y desmentir aquellos comentarios. Solamente en 1876 fue permitido el funeral y sus restos se transfirieron al cementerio en Parma. Al momento de fallecer, Paganini poseía 22 valiosos instrumentos, incluyendo 11 Stradivari entre violines, violas y cellos, así como violines Amati y Guarneri (de hecho su preferido era un Guarneri del Gesu de 1742)³.

DIAGNÓSTICO DIFERENCIAL

La constelación de síntomas de la intoxicación mercurial, frecuente en el siglo XIX, inmortalizado por el escritor inglés Lewis Caroll, en su personaje de "Alicia en el país de la maravillas" como el sombrerero loco, se veía frecuentemente en las personas encargadas de hacer sombreros de fieltro, ya que con mercurio se "curaba el fieltro"⁷. Los síntomas de intoxicación crónica incluyen los descritos en el caso de Paganini, predominando los neuropsiquiátricos con irritabilidad, nerviosismo, conducta evitativa, depresión y lasitud. Se asocia un temblor postural que en Paganini habría sido de importante intensidad con dificultad para escribir y utilizar el arco del violín³.

La posibilidad de una lúes, como se planteó inicialmente, es improbable ya que después de una evolución de 20 años Paganini habría manifestado signos de una tabes dorsal o una parálisis general y no hay evidencia de esas complicaciones tardías³. También se postuló una tuberculosis laríngea, lo que explicaría su disfonía; parece improbable porque ésta se da en el contexto de una tuberculosis pulmonar cavitaria y el examen de los especialistas de la época reveló una evaluación pulmonar normal³. ¿Cómo explicar la disfonía entonces?; algunos autores mencionan la hipótesis de un síndrome de Marfán que es un trastorno hereditario del tejido conectivo que se manifiesta por alteraciones cardiovasculares incluyendo valvulopatías, disecciones aórticas y carotí-deas, manifestaciones oculares y óseas. La parálisis de los nervios recurrentes laríngeos provocada por la contigüidad de una carótida alterada, podría causar la disfonía ; sin embargo Paganini no manifestó alteraciones cardíacas ni oculares significativas⁴.

Una hipótesis reciente muy plausible, plantea que Paganini haya sido portador de la enfermedad de Ehlers Danlos y que puede explicar gran parte de los síntomas del músico y además haber contribuido a potenciar su virtuosismo gracias a las ventajas anatómicas que pudo haberle conferido⁴ y a su especial fisonomía. Esta enfermedad es una alteración del tejido conectivo que causa una gran laxitud difusa de las extremidades. Hay 11 fenotipos descritos, el IV se relaciona a mutaciones en el colágeno tipo III con locus en el cromosoma 2, resulta en una hiperflexibilidad de todas las articulaciones, hiperlaxltud de la piel, fragilidad del tejido colectivo e hiperelasticidad de la piel^8-10. La descripción de las características físicas de Paganini y sus quejas sintomáticas son consistentes con este trastorno: su piel delgada y translúcida con venas prominentes, la rápida fatigabilidad y agotamiento lo apoyan⁴. Las hemoptisis atribuidas a tuberculosis pueden explicarse por la forma vascular de Ehlers Danlos que corresponde al tipo IV, el más frecuente, de los 11 descritos de acuerdo a criterios clínicos apoyados por hallazgos bioquímicos y moleculares, según una revisión de la nosología de este trastorno por Beighton en 1998¹⁰. La mayoría de las complicaciones son neurológicas por malformaciones vasculares, como aneurismas intracraneales, disecciones arteriales aórticas o carotideas. Todos los órganos pueden verse afectados como corazón, ojos, riñon, intestino y pulmones, con hemorragias que pueden ser fatales como sucedió con Paganini . La mayoría se debe a una síntesis o función anormal del colágeno, específicamente el tipo IV es debido a una mutación del gen que codifica para hidroxilisina, que es la enzima que cataliza el metabolismo de hidroxilisina a colágeno y a otras proteínas, con secuencias de aminoácidos semejantes a las del colágeno^8-10. Clínicamente, el diagnóstico se puede confirmar con cultivo de fibroblastos, que muestra una reducción en la producción de colágeno tipo III. El tratamiento aún es sintomático.

CONCLUSIÓN

Paganini estaba muy conciente de su apariencia singular: "No soy un tipo buenmozo", "pero, cuando las mujeres me escuchan tocar; ellas vienen a mis pies".

Paganini ha sido la figura más destacada en la interpretación del violín en la historia de la música de todos los tiempos y un gran innovador en la técnica de la interpretación. Un talento innato, una constitución anatómica especial producto probablemente de una enfermedad como la de Ehlers Danlos, horas de trabajo intenso y un carisma personal, todo contribuyó a que se transformara en un virtuoso que influenció las generaciones por venir de grandes intérpretes del violín.

REFERENCIAS

1. Speratir G, Felisati D. Nicolo Paganini. Acta Otorhinolaryngol Ital 2005; 25: 125-8.       

2. Wolf P. If clinical chemistry had existed then. Clin Chem 1994; 40: 328-35.       

3. O'Shea JG. Was Paganini poisoned with mercury? J R Soc Med 1988; 81: 594-7.        

4. Ho N, Park S, Maragh K, Gutter E. Famous People and Genetic Disorders: From Monarchs to Geniuses—A Portrait of Their Genetic Illnesses. Am J Med Genet 2003; 118A: 187-96.       

5. Enciclopedia Salvat de los Grandes Compositores, Pamplona, Salvat. 1984; 315.       

6. Heine H. Noches Florentinas: Memorias del señor de Schnabelewopski. Barcelona: Salvat, 1970.       

7. Trimble M, Krishnamoorthy E. The role of Toxins in Disorders of Mood and Affect. Neurol Clin 2000; 18: 649-64.       

8. Kivirikk K. Collagens and their abnormalities in a wide spectrum of diseases. Ann Med 1993; 25: 113-26.      

9. Vanderberg P. Molecular basis of heritable connective tissue disorders. Biochem Med Metab Biol 1993; 49: 1-12.       

10. Beighton P, De Paepe A, Steinmann B, Tsipouras P, Wenstrup R. Ehlers-Danlos Syndromes: Revised No-sology, Villefrance 1997. Am J Med Genet 1998; 77: 31-7.      

11. Yost B, Vogelsang JP, Lie JT. Fatal Hemoptysis in Ehlers-Danlos Syndrome. An old malady with a new curse. Chest 1995; 107: 1465-7.      

PRELUDIO A LA SIESTA DE UN FAUNO

Os dejo el enlace a un artículo muy completo e interesante en el que se analiza ésta obra de Debussy. Espero que os sea de utilidad.

http://tono-menor.blogspot.com.es/2012/01/grandes-obras-preludio-la-siesta-de-un.html

POSTROMANTICISMO FRANCÉS

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POSTROMANTICISMO ESPAÑOL

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POSTROMANTICISMO ALEMÁN

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EL SINFONISMO ROMÁNTICO

Tal y como me comentásteis algunos en clase, os paso los mapas mentales referentes al sinfonismo y al grupo de los compositores conservadores dentro de la "guerra de los Románticos". Espero que os sean de utilidad. Mapa Mental creado con GoConqr por amaya navarro muñoz Mapa Mental creado con GoConqr por amaya navarro muñoz

QUINTÍN ESQUEMBRE Y SU PASODOBLE "LA ENTRADA"

                                                                        Por Joaquín Navarro García                                                

Sobre la figura de Esquembre pesan dos hechos en contra que le hacen prácticamente desconocido, sobre todo en su tierra, aunque últimamente tanto su vida y sobre todo su obra van siendo más conocidas, gracias a algunas personas que están sacando a la luz lo mejor de ésta. Como decimos una de las cosas que juegan en contra de un mejor conocimiento sobre Esquembre es la gigantesca figura de Ruperto Chapí, a cuya sombra –y no es exagerado- viven todos o casi todos los compositores españoles. El otro hecho, muy frecuente por cierto, es, que a algunos compositores, se les conoce por una sola de sus obras y este es el caso que nos ocupa, LA ENTRADA. Efectivamente, aunque Quintín  Esquembre no hubiese compuesto otra obra, sería mundialmente famoso por LA ENTRADA. El éxito de este pasodoble oscurece, y no poco, al resto de  su abundante y excelente obra.

Pero antes de continuar veamos, brevemente, algunos datos biográficos sobre nuestro personaje. Quintín Juan Esquembre Sáez, nació a las 20’30 horas del día 30 de marzo del año 1885, en la villenera calle de La Amargura, hoy Coronel Selva, en el número 13. Sus padres fueron Miguel Esquembre Marco y María Virtudes Sáez Díaz, siendo el segundo de cinco hermanos. El padre era platero, oficio tradicional en la familia Esquembre, que todavía siguen ejerciendo algunos descendientes en la actualidad. A pesar de ser platero, parece ser que el negocio familiar fue un comercio de ultramarinos.

Desde muy pronto Quintín dio muestras de su buena predisposición y facultades para la música. Con apenas 7 años ya dirigía una rondalla   de pulso y púa de 8 componentes,  y con sólo 13 años forma parte de un quinteto de cuerda, al que el célebre compositor alcoyano Camilo Pérez Laporta –por entonces director de nuestra Banda Municipal, - les dedicó un quinteto titulado El medio siglo. Viendo la afición por la música y sobre todo por la guitarra del pequeño Quintín, afición por este instrumento que le venía de las veces que pudo asistir a los conciertos que a menudo daba en nuestra ciudad, donde tenía muy buenos amigos,  el gran Francisco Tárrega, del que recibe “sabios consejos” y no “clases” como se viene creyendo. Como decimos, viendo el padre su interés por la música, en 1902 decide emigrar a Madrid con toda la familia, domiciliándose en el típico barrio de Chamberí, en donde abren una modesta pensión con el evocador nombre de “Los Villeneros”.

 Inmediatamente se matricula en el Real Conservatorio de Música donde cursa los estudios oficiales de violonchelo, armonía y composición, materias que finalizó con las máximas calificaciones y Diploma de Honor, en 1913. A la vez, cursó estudios de guitarra, de forma particular, pues por entonces todavía no estaba contemplada dentro de las enseñanzas regladas de los conservatorios, siendo alumno aventajado del gran guitarrista Miguel Llovet, quién le tenía por su “notabilísimo discípulo y querido amigo”. Es a partir de este momento cuando comienza una larga y fructífera carrera musical para el maestro, como compositor y como concertista, sobre todo de guitarra, llegando a ser con este instrumento un verdadero virtuoso y un referente.

 En 1914 entró a formar parte, como solista de violonchelo, en la Banda Sinfónica de Madrid que dirige el célebre maestro Ricardo Villa, a quién sucede el no menos famoso Pablo Sorozábal, amigo personal de Esquembre. Ese mismo año, concretamente el 22 de febrero, se casa con Teodora San Martín, de cuyo matrimonio nacieron 4 hijos y pasan a vivir al nº 7 de la calle Haztzenbusch que sería el domicilio definitivo hasta su muerte.   

En el año 1915 es uno de los solistas elegidos por el maestro Pérez Casas –sin oposición previa- para ser uno de los fundadores y Vicepresidente de la Orquesta Filarmónica de Madrid. A la vez comienza una más que interesante carrera como concertista y maestro de guitarra de grandes alumnos que siguieron su estela por los escenarios españoles. Realiza varias giras por el extranjero, sobre todo Italia y Portugal, principalmente como chelista y guitarrista, además cuenta con un buen número de composiciones sobre todo pasodobles, género del que es referente indiscutible. 

Con estos antecedentes, y  para no extendernos, demos ahora un salto en el tiempo para llegar a un año de suma importancia en la carrera musical de nuestro paisano y por ende para la pequeña historia musical de Villena. Nos estamos refiriendo al año 1922. Dos hechos importantes tienen lugar en dicho año para la vida musical de nuestra ciudad, que están a día de hoy tan arraigados en los corazones de los villeneros como lo puedan estar –salvando las distancias- El Tesoro o el Castillo de la Atalaya. Por un lado, el día 5 de septiembre de ese año, nació una agrupación musical de la mano del ilustre villenero, maestro, Francisco Bravo Gracia, nuestra querida  “Banda Municipal de Música”, que tantos motivos de orgullo nos ha proporcionado a lo largo de estos últimos años. Por otro está la feliz idea del maestro Bravo de solicitar a su amigo la composición de una obra fácil para que fuese interpretada en ese “estreno” de la joven banda el día 5 en la Entrada. En realidad, tal petición no era más que un recordatorio de la promesa efectuada a Bravo por Esquembre, durante su estancia, como venía siendo habitual, para los conciertos de Carnaval en Villena, en la que se comprometió a “hacerles” un pasodoble. Así en carta fechada el 23 de mayo, Francisco Bravo y su otro buen amigo Francisco Ferriz, urgen al músico el envío …por encontrarse  los chicos en condiciones de poder ensayar…, y añaden …desde luego tendrás muy presente que se trata de una banda infantil de 62 plazas y respecto al título le puedes aplicar el que mejor te plazca, pero siempre haciendo mención a Villena. 

Ahondando en el tema, veamos ahora lo que el propio Esquembre le cuenta, años después, a su amigo Mariano Sanz de Pedre, autor del libro “El pasodoble español” y que éste incluye en el apartado dedicado a La Entrada:  …que la composición fuera, a la par que sencilla, fácil y sobre todo, libre de dificultades instrumentales, toda vez que estaba primordialmente destinada a ser interpretada por una modesta banda de música de  reciente creación, integrada en su totalidad por muchachos de Villena, que alternaban sus ocupaciones artesanas con la afición musical….  

LA ENTRADA, que nació como hemos dicho, para el acto principal de nuestras fiestas de Moros y Cristianos,  pasó muy pronto a convertirse en uno de los pasodobles más interpretados en la fiesta de los toros. Parece ser que el hecho de esta “apropiación indebida” se debe a que alguien dijo en su momento que LA ENTRADA quería decir “la de los toreros en la arena”. Buena prueba de lo que se aprecia esta obra en el mundo taurino es, entre otras cosas, su inclusión en la banda sonora de la película española “Blancanieves”,  que ha sido candidata a  los premios Oscar.

Nuevamente LA ENTRADA es utilizada para otra película, en este caso la producción francesa titulada “THE GUNMAN”, en la que intervienen entre otros, Sean Penn y Javier Bardem. Sin salirnos del mundo de los toros LA ENTRADA figura en todas las antologías del pasodoble que se han grabado para la fiesta nacional, teniendo incluso, una versión sinfónica que grabó en C.D. la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla.  Y ya para cerrar este capítulo de LA ENTRADA en los toros y el cine digamos que “nuestro” pasodoble ha sido, recientemente, motivo de estudio en un Master en composición para medios audiovisuales titulado “El pasodoble, análisis de la música popular en la película Blancanieves de Pablo Berger,” trabajo realizado por Alejandro Marrupe Ortega de Madrid.

LA ENTRADA  nació sin letra. Pensamos que de haberla querido, el propio Esquembre la hubiese podido hacer, pues solía escribir artículos que, desde Madrid enviaba para su publicación en el periódico local “El Bordoño”. Como decimos, LA ENTRADA fue compuesto sin letra previa. Años después se le “acopló” una –nunca mejor dicho- pues parece metida en las melodías con “calzador”, permítaseme la expresión. Quizás se podría pensar por la forma de decir que no somos  partidarios de tal “asalto” a una obra que por sí sola ya había alcanzado la fama. Efectivamente, opinamos que ciertas cosas no hay que “mejorarlas” con pegados postizos y esta es una de ellas. Bien está lo que está bien. Pocos son los datos que tenemos sobre su autor y el porqué de dicha letra. Los más fiables son los breves apuntes que da el recordado Alfredo Rojas en un artículo publicado en la Revista Villena. Viene a decir “…que el nombre del autor de la letra de LA ENTRADA es un tal Amérigo González Requena, natural de Yecla, que trabajaba en la imprenta-papelería de Marcos y Vicente, ubicada en la Corredera , en lo que después fue Sastrería Calvo y en la actualidad es una Entidad Bancaria…”, y “hasta aquí la cita”. No vamos a entrar en detalle sobre  dicha letra, pero sí dejemos constancia de que la misma es más un canto a la belleza de la mujer villenera que a la fiesta, que es en definitiva para la que fue creada, y decir, para concluir este tema, que en Villena, desgraciadamente, tenemos unas cuantas joyas musicales a las que se le han “pegado” unas letras a posteriori, que no les hacen ningún favor.

LA ENTRADA es un caso casi único en el panorama musical español. Figura, y por partida doble, en todas las enciclopedias, tanto taurinas como musicales. La sencillez de su interpretación y lo pegadizo de sus melodías la hicieron inmediatamente figurar en el repertorio de toda clase de agrupaciones y solistas musicales: piano, guitarra, bandas, conjuntos de cámara, rondallas, tunas, orquestas sinfónicas y orquestinas…Son innumerables sus grabaciones en distintos soportes, desde el rollo de pianola, pianos de manubrio, discos de pizarra, microsurco, al moderno C.D. Siendo última, la realizada por el profesor y concertista de guitarra Francisco Albert Ricote, para el C.D. editado por la Universidad de Alicante “Quintín Esquembre y Ruperto Chapí a la guitarra”,  en donde, además, realiza la primera grabación mundial de la interesante producción para guitarra de Esquembre.

Por último citaremos el hecho curioso de que “nuestra ENTRADA” forma parte en un acto principal en las fiestas de San Roque en la ciudad hermana de Peñafiel. El nombre que adquiere el pasodoble es el de “La Chúndara” y tiene una peculiar letra que comienza con el siguiente verso:

Por eso. Viva el “pijo” el tío Bernardo…..

Mucho más podríamos decir sobre la archifamosa “ENTRADA”, pero sirva todo lo dicho como homenaje a Quintín Esquembre y a esa joya tan nuestra, tan villenera, esa que nos hace vibrar y aún aflorar lágrimas a nuestro ojos cada vez que la escuchamos, sobre todo en esa indescriptible “arrancá”   el día 5 a las 4 de la tarde. Sí, porque LA ENTRADA es sinónimo de fiesta, alegría, imaginación, trabajo, lujo, recogimiento, encuentro y añoranza. Es la llave que abre la gran puerta por donde se desbordan, durante cinco inolvidables días, los mejores sentimientos de los villeneros, la hospitalidad y generosidad, que hacen de Villena esa gran casa en la que nadie es forastero.

BIBLIOGRAFÍA

-El pasodoble Español.-  Sanz de Pedre, Mariano. Ed. del Autor – Madrid 1961.

-Diccionario Alcoyano de Música y Músicos – Valor Calatayud, Ernesto. Ed. Llorens Libros - Alcoy 1988.

                                   

 -Q. Esquembre y Villena – Navarro García, Joaquín.Charla Sede Universitaria de Villena 201. INÉDITO.

-El Pasodoble “La Entrada”- Rojas, Alfredo.  Revista Villena 1994.

                                             

 -A Quintín Esquembre – Poveda Esquembre, Fco. Revista Villena 1965.

                                      

-Quintín Esquembre - Vida y obra de un maestro independiente-Suárez Pajares, Javier.

                                   Roseta – Revista de la Sociedad Española de la Guitarra nº 2-

                                   Instituto Complutense de Ciencias Musicales

                                   Madrid – Mayo 2009.

 -El Pasodoble – Análisis de la música popular en la película “Blancanieves”,

                          de Pablo Verger.

                           Marupe Ortega, Pablo.-Trabajo fin de Master-  – INÉDITO

                           Madrid 2014                                                                                 

QUINTÍN ESQUEMBRE Y LA GUITARRA

QUINTÍN ESQUEMBRE Y LA GUITARRA

                                                                                                    Por Joaquín Navarro García

A menudo, cuando se aborda la vida o la obra de Quintín Esquembre, se olvida una de sus más importantes facetas, la de guitarrista-concertista, compositor y docente de dicho instrumento. De niño recibió sabios consejos del célebre guitarrista Francisco Tárrega que hicieron que sus gustos musicales se inclinaran hacia el instrumento español por antonomasia.

 En 1902 y estudiando en el Conservatorio de Madrid inicia su aprendizaje con el célebre Miguel Llovet, - en plan “particular, pues su enseñanza todavía no es oficial en dichos centros- dedicando, solamente a la guitarra, de 8 a 10 horas diarias de estudio. Rápidamente tuvo que asimilar las enseñanzas de Llovet, pues ya en 1904 da su primer recital ante el público, precisamente ante sus paisanos villeneros, no presentándose en Madrid hasta cuatro años después. También de ese año 1908 es su primer concierto en el “Real Conservatorio,” donde cursa Armonía, Violonchelo y Composición, obteniendo un gran éxito, igual al que alcanzó con el realizado en la “Real Academia de Bellas Artes San Fernando”. 

Exitosos fueron también los que en 1917 realiza, otra vez, en la Academia dedicado a Tárrega y el que dio en el Ateneo de Madrid. De esta época viene su amistad con un “principiante” Andrés Segovia, con el que después tendría ciertas discrepancias nuestro músico, sobre la manera de interpretar, a la guitarra, a algunos compositores clásicos. 

Esquembre ya ha realizado una exitosa “gira” por Portugal e Italia, como componente de una orquesta e intérprete de violonchelo y solista de guitarra. En 1923 se crea en Madrid la “Cultural Guitarrística”, a la que pertenecen, entre otros, intérpretes de la talla de: Miguel Llovet, Regino Saiz de la Maza, Andrés Segovia o Daniel Fortea. Esquembre es nombrado, por unanimidad, Profesor de Guitarra de dicha Asociación.

Entre otros conciertos, dentro y fuera de la Capital, están los que ofrece asiduamente en su Villena natal, a la que visita casi cada año. Además a toda esta actividad, hay que añadir su pertenencia a la Banda Municipal de Música y a la Orquesta Filarmónica de Madrid, de la que fue uno de sus fundadores y vicepresidente de la misma.

Llegamos al año 1924, donde sucede un hecho que podríamos llamar “histórico”, dentro de los anales de la guitarra española y del que es protagonista nuestro músico.  El 11 de julio, Quintín Esquembre es el primer guitarrista español en ofrecer un concierto que es retransmitido por radio, en este caso por “Unión Radio Madrid”, en sus emisiones “La Libertad” para toda España y América Latina.  Este hecho se volvió a repetir con cuatro nuevos conciertos más, en 1925 y 1927. 

Quintín también fue pionero en la inclusión de los músicos barrocos en el repertorio guitarrístico como Haynd o Bocherini. Durante estos años, los más felices en la vida de Esquembre como concertista, se siguen prodigando los conciertos en salas tan “señeras” como la del Real Conservatorio, al que vuelve muy frecuentemente, el Festival Homenaje a Fernando Sors de 1926, o el que ofrece en el Teatro de la Comedia un año después. Conciertos que originan interesantes críticas de afamadas plumas del momento y que dado el corto espacio de que disponemos nos impide hacernos eco de ellas, con lo cual renunciamos a darnos una idea exacta del prestigio que adquirió nuestro compositor.

Cuando Esquembre se encuentra en la cima de su fama como concertista, ocurre un hecho que hasta el presente no se ha podido desvelar realmente, puesto que ni él mismo nunca lo hizo, por lo tanto hay que moverse en el terreno de la hipótesis. Es a partir del año 1927 cuando Quintín abandona su actividad como concertista ¿qué pudo ocurrir para ello?.

 Varias son las “suposiciones” posibles. Por un lado el exceso de trabajo y sus obligaciones familiares. También cabe pensar si pudo influir el “disgusto” con Andrés Segovia. Sin embargo, conociendo la personalidad del músico: sensible, introvertido y ciertamente tímido a la vez que nervioso, al margen de otras cuestiones que ignoramos, se podría asegurar que nuestro músico sufriera lo que hoy se ha dado en llamar “pánico escénico”. 

De una manera u otra es ahora cuando el guitarrista se “desdobla” para realizar sus otras dos, no menos importantes, facetas. Por un lado la de pedagogo, con una serie de alumnos que llegaron a alcanzar cierta notoriedad, como es el caso de Vicente Gómez, que llegó a triunfar en la “Meca del Cine” participando en películas y realizando grabaciones discográficas, y el “Trío Esquembre”, en el cual figuran Manuel Hernández, Carmen González y Miguel Esquembre, hijo de Quintín, con el tiempo marido de Carmen, que también adquirieron cierto renombre.

Por otro lado es ahora cuando el músico compone una breve, pero interesante obra para su instrumento, de la que tenemos que destacar la más importante de ellas por lo que supone para el repertorio. Se trata de la “Rapsodia Andaluza” para dos guitarras y pequeña orquesta, compuesta el año 1938 en Valencia. Esta obra tiene la particularidad de ser la primera de estas características que se escribe en España y que por diversas circunstancias, adversas, han tenido que pasar ¡74! años para que viera su estreno.

Finalmente, Quintín, pasado un tiempo, retornó a su actividad concertística, pero quiso la fatalidad se le declarase, en los primeros años 50, una “retracción de la fascia palmar” o enfermedad de “Dupuytren” que le obligó a dejar toda interpretación musical y a jubilarse, en 1952, de la Banda Municipal de Música de Madrid.      

 (Artículo escrito por Joaquín Navarro para la revista de la Banda Municipal de Música de Villena).